Mes: noviembre 2014

ÁNGEL RIVERO SIERRA (1965) / CONTINUACIONES SIN FIN

ang Nunca he comprendido la teoría de Hauser, según la cual la abstracción y el geometrismo dominarían en sociedades cerradas, mientras que el naturalismo entendido en su máxima expresión sería propio de una sociedad abierta y en evolución.
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Prefiero a Eco cuando dice que el arte contemporáneo ha descubierto el valor y la fecundidad de la materia. El hecho cierto es que los artistas han sabido siempre que debían dialogar con ella y hallar en ella la primera fuente de toda aspiración inventiva de formas y colores.
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Por eso el cubano Rivero es uno de los que entra dentro de esta dinámica de purificar su emotividad con el gesto plástico, de prolongar la expresividad con el trazo vigoroso, de buscar el destello cromático como si fuese un grito de furia o de júbilo o de ambas cosas. Su obra forma parte de toda una corriente que todavía no ha dicho su última palabra, aunque muchos ya la han dado por obsoleta y caduca.
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Quien ha cantado se transforma en nubes.
El tiempo nos destruye y da palabras.
(José Luis Rey)

JORGE VICÉN (1980) / ¿QUÉ ES TODO ESTO?

jorge+vicen De acuerdo con las bases de Bopp, debería abstenerme en mis comentarios sobre lo artístico ante la imposibilidad de obtener un juicio sobre la obra que no esté influido por el gusto de la persona que lo emite y por todos los demás elementos históricos y sociales de la situación en que se emite dicho juicio.
jorge vicen Y añade que se produce una indeterminación en ella a causa de todo tipo de factores ideológicos, psicológicos, etc., que pueden integrar el proceso de creación. Gilson atacó también aludiendo al carácter inconmensurable e inverificable del juicio estético.
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Pero ¿qué sería una obra de arte sin todos esos ingredientes? Pues yo creo que nada de nada. Y si no que se lo digan al español VICÉN con su figuración colorista, carente de retórica, enfrascada en su particular definición de lo que una plástica debe transmitir, sus esbozos orientales o africanos o la importancia de la pulverización estilística. Porque lo que el autor en el fondo nos transmite es su singular concepción mitológica y fetichista, aunque también puede ser otra que él calcula que nunca identificaremos, pues al final sostienen que única válida es la del espectador.
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Y el niño abrió los ojos, vio la nada.
José Luis Rey)
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JORGE CRESPO BERDECIO (1957) / SIN ELLOS ME HUNDIRÍA

El poeta y sus amigos. Se ha afirmado que el arte es una producción de la imaginación de los pueblos, o de lo imaginario que sirve, como el sueño y la neurosis, para la satisfacción de pulsiones que de otro modo estarían condenadas a la represión
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Si eso es así el costarricense CRESPO tiene muy claro su lenguaje, el mensaje que deviene con el mismo y su proyección sobre una realidad de la que se tiene consciencia a medias y a medias se basa en un onirismo imprevisible y necesario.
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Su obra pictórica funde la magia del color con un sentido figurativo casi carnavalesco, muy enraizado en una comarca quimérica en la que se reproducen gestos que no atavíos de la condición humana. Esos a modo de polichinelas nos enjuician, nos miran desde escenarios desnudos de tierra y mar para que se vea que son nuestros dobles aunque vayan con máscara. No hay más que contemplarlos, observarlos y entenderlos.
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Historia, oscuridad, viento en la lucha.
La eternidad del cielo están en el canto.
(José Luis Rey)

FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE / NO HAY LLAGAS QUE NO DEJEN SU FORMA

fel4 Cuando estas nieblas calidóscopicas, que se verán en la galería Richter de Berlín en enero, se crucen entre sinuosas y tensas tonalidades y habiten la mirada, ésta quedará irresuelta y abierta a predicciones, aunque una iluminación delimitada muestra su concreción evolutiva. Y si damos un paso más allá, podríamos decir lo que Nicolás Abraham sostiene, que toda obra de arte simboliza la dialéctica universal de la simbolización misma.
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Lo único cierto es que en la poética del hispano-cubano ALARCÓN se expresa un inventario de los deseos, defensas, angustias y fantasías humanas, porque ese producto real externo, que materializa el cumplimiento del deseo propio de la ilusión, provee de ciertas realidades psíquicas internas a todas sus representaciones.
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Sus claves, tropicales y expresionistas, tienen el vigor de una biología caribeña, de una historia íntima que él día a día pinta, la fuerza plástica de una conjunción de sueños palpables y hasta aborígenes, de un canto religioso y creyente, animista y versátil, sumido en un despertar aglutinado de seres a la búsqueda de sí mismos, de otros o de aquellas reflexiones que al no seguirlas extraviaron también su fortuna. La imaginería que atesora el conjunto de su obra es ilimitada y esplendorosa, con una figuración que es cúmulo y verdad y un ejemplo del más auténtico fenómeno artístico. Por eso el Malecón nos espera en donde siempre.

Venid conmigo a contemplar el sueño
que fuisteis una vez y hoy esplende.
La noche es amplia música, sus olas
de luz os mecerán.
(José Luis Rey)

ALMA FERNÁNDEZ (1963) / LA VISIÓN EMBRUJADA

alma La obra de arte está envuelta y entrelazada con alusiones al universo interior y al reverso exterior, con la ambición de adquirir un cúmulo espiritual que mana de su poder para evocar la contemplación.
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La de la costarricense ALMA FERNÁNDEZ toma a la mujer como ese contenido que da luz a la forma, que le proporciona escala y densidad y una mirada prolongada. Mediante esa pátina simbolista y modernista la armadura plástica configura una visión fantástica, una quimera sobre la que la gravitan luces y sombras, y gamas cromáticas que son como el elixir imprescindible para que la figura femenina misteriosa y solitaria, o a caballo, germine su audacia de identidad inconfundible.
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Ciertamente los aspectos y recursos estilísticos han cuajado de una manera determinante este mundo de fantasía intemporal que convoca al sueño a una andadura sobre otros territorios todavía abiertos y con el que nos invoca a explorar y descubrir por medio de una seducción a flor de piel.
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La primera plenitud,
la que besaba en el sueño,
la que nos abre los ojos,
la que nos crea de nuevo.
(José Luis Rey)

ISABEL RUIZ PERDIGUERO (1961) / MI MANERA DE POBLAR LAS AUSENCIAS

isab2Siempre te dicen que habría que clasificar las obras de arte en dos categorías: las que son inmediatamente identificadas y por lo tanto significativas y aquellas cuya ambigüedad es instantáneamente evidente.
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Y todo ello es porque todavía estamos en ese marco en que las estéticas tradicionales no se resignan ante las contemporáneas a perder su carácter normativo a cambio de no partir de ninguna base apriorística. La madrileña RUIZ PERDIGUERO entra de lleno en esta polémica porque su obra manifiesta, dentro de esta últimas coordenadas, delicadas transparencias, iluminadas opacidades. La vida que habita esas antiformas ruge y palpita, rompe y destruye toda certidumbre.
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Es una poética que se alimenta de la experimentación de sus pasiones y deseos, de sus urgencias y al final de sus propias ausencias. Las desbandadas cromáticas son fecundadoras de emoción y encuentro con nuestros sentidos y con el espíritu integrador de superficies y visiones.
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Qué lentamente sonará en la sombra
la ausencia mineral que esculpe el tiempo.
(José Luis Rey)

PATRICIA GADEA (1960-2006) / AUNQUE YA NO ESTÉ NUNCA LO VOY A DEJAR

pat Ahora está en el Reina Sofía, ahora se la ensalza y hasta sólo falta elevarla a los altares, pero lo cierto y verdad es que murió en Palencia en una total miseria y en una más total soledad. Algunos dicen que la obra plantea al autor las oscuras fuerzas de la destrucción que velan en él. Es decir, que el arte lleva en sí la destrucción.
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Sin embargo, considero que la pintura de la española GADEA consistía en la producción de una transgresión de los tabúes, una liberación de las amenazas, una reafirmación de su condición de mujer, aunque con ello se juegue con fuego, se pague un precio con momentos de angustia y depresión y hasta se emprenda un descenso a los infiernos.
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En su trabajo no existe esa aparente oposición entre perspectiva y realidad de la obra, entre la jocosidad y literatura del cómic y el encuentro con esas fantasías crepitantes que se alimentan de lo que es mutable, de lo que expresa una revisión de los esquemas, un replanteamiento continuo de los modos de ser y de ver en el mundo.
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Mientras España ardía y un poeta miraba deshacerse el
hiel en canto, fluir las frases brillantes de la tierra, la luz,
la salvación, él llegaba a la cima de lo eterno.
(José Luis Rey)

RICARDO MUÑOZ (1965) / NO HAY NADA DESECHABLE

muñ Se ha dicho que en la obra de arte, una estructura imaginaria sólo es significante si se alimenta con la sedimentación de las fuerzas de una época y de una cultura.
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Así lo ha entendido el madrileño MUÑOZ al tomar los signos de derroche de nuestro tiempo y sociedad, invirtiendo el proceso de destrucción y desprecio por el de reciclaje sobre la base de las formas y del arte. Antes como no tenía forma permanecía mudo, ahora, a través de este suelo habitado, al tenerla, se le puede escuchar.
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En este escenario, ese análisis de Freud de la oposición entre el arte que trabaja agregando y el que trabaja suprimiendo, se ha despejado mediante la visibilidad de un claro vencedor, cuya poética tiene un claro compromiso con la idea plástica y su discurso ideológico.
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Y fue en ese momento,
exactamente, cuando llegaste tú, comadre vieja,
puta vieja, redomada comadre,
y has cogido mi mano,
cuando mi mano daba tranquilamente
pan al árbol y el árbol lo comía,
y daba el aire al aire y lo comía,
cuando llegaste tú, hasta mí, de pronto, y me
sorprendes.
(Antonio Quintana)

EDGAR ZÚÑIGA (1950) / ME VEO CERCADO

edg1 Señalaba Artaud que los artistas han de dar salida a esas angustias eternas, de alcanzar así una especie de identificación de sus propios sentimientos con los furores colectivos del hombre. Y en el costarricense ZÚÑIGA, en su obra, se da además y como énfasis humanista, tanto de una forma como de otra, ese cultivo de del antropomorfismo, previo siempre al de la naturaleza.
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Pero en sus esculturas los seres están aprisionados y soportando un peso que no pueden apartar y del cual liberarse. Alegoría de la situación del hombre encadenado a un destino que no tiene puertas de salida y que medita sobre ellas cuando ya la indefensión es determinante.
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< La materia, en su manifestación de entorno, de superficie, de cielo, tierra, de hábitat, de mundo, toma la forma de una condición geométrica que absorbe a la figurativa, la encierra y trata de que regrese a lo que fue, sea o no una condena ancestral o un símbolo que no muestra sino que demuestra.
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Dicen que no soy alto. El que lo dude,
que le pregunte al aire,
que le pregunte al río
y a la muerte.
(Antonio Quintana)

MARCELA CÁRDENAS RESTREPO (1973) / DIME QUÉ SOY AHORA

marc1Es cierto que al dar vida a una forma el artista la hace accesible a las infinitas interpretaciones posibles. Una vida humana y animal que se manifiesta con una fraseología alegórica, incluso edénica, por más preguntas que formulase, pues lo consigue con la clarividencia de un dibujo que se nos mete en las entrañas.
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La colombiana CÁRDENAS oficia de humanista y hasta renacentista en su obra, si bien le da el rasgo propio de una transparencia que nos invita a acariciar, a dejar que nuestros ojos y nuestras manos se posen y toquen para captar las vibraciones y los latidos.
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Las pieles muestran esos puntos o agujeros a través de los cuales percibimos y hasta oímos porque nos hacen entrar dentro, no fuera, y sabemos que las líneas, los contornos son incluso nuestra metamorfosis ya que al fin y al cabo ellos también están en nuestro interior y rezuman el lenguaje de las vísceras.marc4 NO lo sabía:
y en el duelo yo era el muerto.
Me despertó de pronto
mi plañidera voz, casi perdida al fondo,
como el eco que un día no terminará nunca.
(Antonio Quintana)