• En la lista de las veinte mejores obras de arte publicada el 30 de octubre de 2006 por el periódico británico The Guardian, las cinco que corresponden al siglo XX son las siguientes:

• 1) Guernica de PICASSO. 2) Número uno de JACKSON POLLOCK.
  • 3) La capilla Rothko de MARK ROTHKO.
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      4) La danza II de HENRI MATISSE.
      • 5) La montaña Sainte-Victoire vista desde Lauves de PAUL CÉZANNE.
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          Esta relación no deja de ser tan aleatoria y arbitraria como la que cada uno de los espectadores de arte podría proponer. Sólo es cuestión de intentarlo, seguro que de pronto nos desconcierta nuestra propia definición.

En la británica Eileen Agar, artista asociada al surrealismo, se filtra paradójicamente un sentido del orden que contamina sus obras, orden nacido del ritmo y la armonía, elementos constitutivos del esqueleto de una indagación que se expresa en lo opuesto, en lo irracional y lo dionisiaco, pues es en el caos y el azar donde se alcanza el conocimiento de vida y muerte.

La riqueza cromática de sus obras, de tonos vivos y expresivos, se concibe como un microcosmos en el que hasta el desvarío alcanza un equilibrio gozoso, y aunque es una pintura de recorridos aparentemente fugaces y transitorios, los solidifica en aras a la conservación de ese fluido tan fértil que se propone como una función simbólico-representativa de una sociedad en lucha consigo misma y con sus sombras.

Humberto viene a mi encuentro en el Malecón cantando:

• En 1961, el Grupo Hondo aparece en escena en Madrid. ORELLANA, nacido en Chile, fue uno de los componentes de esta Nueva Figuración, cuya misión se concretaría en ser testimonio de la vida, concebida como un proceso agónico (Manuel Conde).
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    Por consiguiente, la realidad tomó de la pintura la fuerza y síntesis que requería y viceversa. Realidad de la que el autor tiene miedo, mas forma parte de su sueño o sus pesadillas, pues ése es el postulado individual y de grupo: la introspección humana, la visión de ese hombre interior, torturado y angustiado.
    • En esos trípticos el artista busca y encuentra ecos de la tradición, de ese camino incierto que no ha dejado de recorrerse porque las imágenes condensadoras de significados nunca cesan, como tampoco lo hacen la violencia, la tragedia o el sexo.
      • Considerando así la obra en tales términos, la figuración ha de ser inevitablemente incisiva, dinámica…

Afirma Alfonso de la Torre que “pintar cuerpos, en el convulso y vertiginoso siglo XX, se había convertido ya en un completo ejercicio de melancolía”. Y también de cierta rabia e ira debido a una conciencia existencial y plástica del fin.     

• La obra de la norteamericana CORDELL, catalogada como “Art Brut”, expresa su concepción empírica en el desenmascaramiento de cuerpos sin identidades, en radiografías internas que manipula, en las que hurga, saja, retrata, experimenta, toca, se empapa. Es una descomposición orgánica que por sí misma se transforma en protagonista fetiche, en una epifanía atrapada en el signo de la extinción.  

• Decía Manolo Millares que “cuando el rostro del hombre se pega a diario en el cuadro del que pinta, no existe esa posibilidad de evadirse con una exclusiva verdad formal sacada del bolsillo”. 

Pues parece inexorable que cada ídolo tenga su víctima.          …

• La producción del artista americano Gober es un terreno abonado para sugerir mil hipótesis y todavía quedar con mil dudas. Él manifiesta que procura siempre invitar a la gente a no concentrarse (por lo menos no al principio) en identificar un significado o un tema en la obra, sino en comprender de qué trata concretamente, cuál es su composición física y cómo está realizada. Muy a menudo pueden encontrarse metáforas en los elementos mismos.
  • Que ésa sea la intención del autor no implica que el espectador saque una conclusión contraria, pues si toda esta escenografía es extraña y misteriosa, lo subyacente en la misma y en la concepción de su estética es que el concepto rebasa hasta lo que está oculto en su propio interior.
    • Desde luego, se propician ámbitos plásticos que se conciben con el fin de visualizar lo que nunca hay que dar por sentado y que desembocan…

Estamos ante una invención que no cesa, un vocabulario vaciado de todo sentido, una ingeniosidad estéril respecto a unas estéticas agotadas. Por eso, hay que recorrer todos los escaparates y a partir de ahí hacer posible, si se puede, una improvisación en cuanto a la rutina y hábitos visuales. No olvidando que un yo gigante debe señalar lo único cierto de lo contemporáneo.
El israelita nacionalizado norteamericano STEINBACH confiere a los objetos utilitarios, comestibles, inseparables normalmente de nuestras costumbres, usos y prácticas, un atributo plástico en función de su posición y reunión en unos espacios limpios, desnudados para recibir la configuración insólita y extraña de estos visitantes.
Bajo un orden de secuencias determinadas por el ejercicio frecuente de la descolocación, el cambio de contexto, la contraposición, la disparidad y la desemejanza, nos ofrece el paradigma, una vez más, de una revisión que siempre se está haciendo. No falla, claro es…

• Estos seres -los trolls o troles-que forman parte de la leyenda nórdica no son nada terroríficos, sólo aguardan el cariño de los humanos, que les ayuden en su reconstrucción física, aunque sea con materiales de reciclaje, y la posibilidad de una nueva vida. 

• Su categoría visual, a la que la artista estadounidense GRAHAM le ha insuflado toda su creatividad, es  de tal calibre que nos despierta una sensibilidad y emotividad gracias a su magnífica resurrección plástica.

• Aquí cabe más que nunca las palabras de aquel autor que aseguraba que lo que no se puede ver -aunque sí imaginar, claro- no nos proporciona un criterio adecuado sobre lo que se puede representar. Pero ahora sí, afortunadamente, los estamos viendo.

Las entretelas de la lengua no descansan, pujan y pujan para

nombrar un puñal en la conciencia, un pájaro en la nuca,

mármoles de cartón. ¿Quién sino ellas saben, quién si no ellas