Un breve paseo por obras y artistas que infunden otra forma de mirar. Es una aproximación cuyo deseo es provocar otras emociones más íntimas y cercanas si cabe. Es una forma de mirar, otro modo de ver, un ardid para engañar, un truco para esperar, otra historia para seguir, un cuento de no acabar. Y de seguir sin perder de vista lo de más atrás.
Se explica que los conceptos deben ser abstraídos del objeto en función de sus exigencias especificas. Pero eso, piensa el estadounidense MILLS, son abusos de una teoría cuyo estudio me dejé por el camino cuando supe qué era para mí la pintura y lo que significaba.
En sus obras no hay originalidad en sí misma sino una cierta paranoia para encontrar un camino desesperado que le lleve a una plástica que contenga y reúna todos los fragmentos en uno, pues son seres que se van deformando y mutando dentro de sí mismos. Al dejar salir unos humores también permiten la entrada de otros mayores.
La gestualidad se detiene en el proceso, se ordena y vuelve a tomar el sendero del delirio. Los colores pastosos, gruesos, intensos, se cruzan en unos trazos que implican desesperación o el abismo que perpetra el futuro.
Decía Worringer que tras la apariencia de las cosas asoma su caricatura, pues detrás de cadacosa inanimada se muestra una vida misteriosa y fantasmal.Incluso de las animadas, añado por mi parte.
En los retratos de la austriaca RUDOLF los grandes trazos procuran una síntesis que deforma los rasgos hasta que las expresiones nos lleguen a infundir las sensaciones fulgurantes de unos ídolos que se han consagrado a servirnos de espejo.
La intensidad cromática da forma y significado a una cosmovisión que ha encontrado en lo que ve un testimonio plástico que estrujar, que exprimir, hasta llegar a unos resultados bufos y arrogantes.
Decía Alfred Barr que el arte moderno no puede en modo alguno definirse concluyentemente ni en cuanto al tiempo ni en cuanto al carácter, y que cualquier intento de conseguirlo implica una fe ciega, unos conocimientos insuficientes o una falta absoluta de realismo académico.
Pero si algo está claro es que la obra de la iraní VAKILIno necesita definición porque todo ella lo es en sí misma, tanto en sus concepciones especiales -que nos trasladan a otros núcleos arquitectónicos, geográficos y culturales- como en sus planteamientos plásticos que a partir de unos orígenes se van incorporando otros hasta que la fusión se completa en una orografía fantástica.
Las perspectivas abren horizontes entre lo construido hacia un fondo queno tiene fin, dentro de unas longitudes que se estrechan y se alargan, que hacen que lo pictórico tenga un significado de evocaciones y tiempos perdidos.
Es absolutamente cierto que el azar forma parte de la producción de las obras de arte, pero en su justa medida y en la adecuación del seguimiento de una metodología creativa.
Que es lo que hace el francés BONNEFOI en sus procedimientos de creación, que va articulando conforme a unos patrones que son distintos para cada serie y que se caracterizan por una fragmentación del espacio en redes y nebulosas cromáticas que codifican la mirada.
Es la concreción de establecer su propia credencial plástica y abstracta, su entendimiento de que el quehacer debe definirse en la estructura pero sin doblegarla, dejando que se expresen en unos significados que se mueven a través de insinuaciones.
Se dice que la imagen no se dirige a las personas que creen que ella representa sus objetos de forma transparente y mucho menos a aquellos que caen en las ilusiones ópticas.
De la madrileña SALGADO sí se prefieren las ilusiones ópticas y no el abismo amenazador que evita anteponiendo su creación, para lo cual hace representaciones de una construcción que encuentra en su geometría armónica un soporte metafórico para la vida.
Los dioses no tuvieron más sustancia que la que tengo yo.
Nos decía Antal que el reconocimiento de la importancia del desarrollo social y de los diferentes tipos de enfoque para comprender la diversidad de los estilos y su evolución, no acarrea una secundaria estimación de los rasgos formales ni impide disfrutar de su calidad, ni implica que han perdido su valor los resultados ya logrados por la literatura de la historia del arte, utilizando métodos formales.
En su pintura, la española MOYA refleja el despertar de un alba soñada que se va transformado en una pesadilla que parece hilar la muerte. Su sentido plástico y cromático, tan frío y distante, es a la vez tan transparente como un rocío mortecino.
La luz de sus personajes desdeñan el tiempo y lanzan mensajes a través de unos rostros y cuerpos desdeñosos, a los que la vida no les importa, pues ya han vencido y se han recluido en su cielo eterno olvidado.
Cualquier forma es la forma que el Destino, forma de muerte o vida, forma de toma y deja, deja, toma; y es inútil huirla ni buscarla.
Cierto es que una misma capacidad puede aplicarse a la imitación, a la esquematización, a la absorción o a la deformación de la realidad. En el caso del zamorano Osorio, que acabo de conocer en ESTAMPA y con el que departí amigablemente, es la adivinación de formas a través de la epidermis de la madera.
Sus esculturas son verticales, estilizadas, anatómicas, insinuantes, intuitivas, bien señalizadas en sus valores formales aéreos, en sus cuerpos perforados, en sus desnudas vetas descarnadas y al mismo tiempo táctiles y vivas.
En este quehacer artístico, lo sinuoso buscado es una reflexión clave para seguir en una dirección de abajo arriba un imaginario sostenido por el desarrollo de una idea plástica, que es el final de una visión descendida desde la vieja ansiedad del deseo.
Los dioses no tuvieron más sustancia que la que tengo yo.
El salvadoreño huyó y buscó refugio en Estados Unidos para, a pesar de su grave enfermedad, no dejar que sus altares y retablos quedase inacabados y sin intestinos. Por eso, desde que descorrió las cortinas hay una calma tensa y un silencio oscuro.
Su práctica artística y su concepción estética nacen de un imaginario que tiene que ver con su origen, con la enfermedad, con la pobreza, con la inmigración, con las creencias y las teogonías. Parecen la realidad de otro mundo, aunque es el nuestro en unas imágenes y un destino que ahora se han encendido.
En estas instalaciones, virtuosamente ensambladas a base de múltiples objetos y materias, casi todos con un significado ritual, se pone de manifiesto una fantasía de sentimiento y pesadumbre cincelada en la propia piel de una inhumanidad que añora ser el reverso de unos signos que tienen vocación milenaria.
El tratamiento plástico que el americano SOMERVILLE confiere a sus obras es como un collage que arrancase imágenes de un conocimiento y una conciencia sobre lo que nos debe deparar, una vez procesado, el arte.
No mezcla ética con estética, ni se adentra en escenarios tumultuosos, simplemente compendia pluralmente y estilísticamente los impactos biográficos e históricos que se guardan en el pensamiento y que no habían encontrado el momento de salir.
El manejo creativo y cromático es el acorde inteligente a unos significados que implican visiones de presente y hasta de futuro de una humanidad que en su locura se lleva todo por delante, de lo que queda esta huella temporalmente imprevisible.
A menudo, de atardecer acaecido, arrimo la luz a la ventana, y me miro, sostenido por maderas miserables, tendido en la humedad como un ataúd envejecido, entre paredes bruscamente débiles. Sueño, de una ausencia a otra, y a otra distancia, recibido y amargo.
A la abstracción, desde hace muchos años, la han dejado como incapaz de encontrar nuevos caminos, por considerarla agotada y consumida, carente de esa significación efervescente.
Por mi parte , en tanto en cuanto existan obras como éstas, que siguen andando y madurando, no veo la congruencia de declarar su defunción sin haber resuelto todavía por donde va a transcurrir la nueva aventura estética.
El cubano VICO sabe perfectamente cuales son los signos de su destreza y de su técnica, las conjugaciones cromáticas, los secretos plásticos, el significado que se debate en cada obra, la realidad táctil e imaginativa que genera. Como espectadores no nos queda más que sentirnos dentro de ellas.
Vivencias Plásticas 
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