Un breve paseo por obras y artistas que infunden otra forma de mirar. Es una aproximación cuyo deseo es provocar otras emociones más íntimas y cercanas si cabe. Es una forma de mirar, otro modo de ver, un ardid para engañar, un truco para esperar, otra historia para seguir, un cuento de no acabar. Y de seguir sin perder de vista lo de más atrás.
En esta edición ART MADRID’21 no nos depara muchas novedades pero tampoco muchas desilusiones, ni tampoco muchas preguntas sin respuesta. En este tiempo la verdad no se puede proponer dos veces y en el arte con una nos llega.
Nos reencontramos con muchos autores que sabemos quienes son y que siguen haciendo del espacio otros espacios, otros territorios, en los que sus creaciones continúan siendo signos hasta hoy mantenidos ocultos y en silencio.
Al salir a la luz en este periodo abarcan innumerables enfoques, concepciones, dominios, planteamientos, perspectivas, etc., que llenan la mirada de vida y dejan atrás la muerte anunciada.En los momentos en que estas obras nos rodean nos ofrecen ahora casi todas ellas su experiencia con el fin de que activamente constituyan nuestro medio de percibirlas y sentirlas como parte de la luz de nuestra realidad y esperanza.
Obras de Cristina Gamón, Fernando Suárez, Gustavo Díaz Sosa, José Naranjo, Gorka García y Samuel Salcedo.
La lista de artistas es numerosay la idiosincrasia de sus lenguajes también, motivo por el cual se requiere la presencia de unos destinatarios que estén dispuestos a recibir tal oportunidad con una certidumbre invulnerable.
Cuando estamos ante una obra del andaluz CEPRIÁN constatamos que cada artista trabaja con hipótesis visuales cada vez más complejas, con numerosos y distintos materiales y pone en marcha estructuras que inventa una y otra vez.
Al final de todo ese proceso surge la obra en toda su autonomía e identidad, en toda su significación, la cual establece los signos de comunicación y de su filiación plástica.
Este artista, en sus resultados concretos, atiende a una formulación, cromática y texturizada, que resuelve dimensión e imaginación, ejecución y versatilidad, visión y abstracción hasta horizontes en que las órbitas circulan por todos los espacios y se instalan en todos los ámbitos.
Escribió Fernando Colina que la oscuridad es la verdad que atrae, revela y abriga, pero siempre acompañada de un movimiento de retroceso y olvido. Pero el iraní CHAMANI ni recula ni relega.
Su pintura es introducirnos en otra historia y otro mundo, donde sombras, misterios, visiones, deparan una plástica sobria y sólida, que postula una significación entre tiempos y espacios.
Los signos que se vierten en sus obras marcan unos territorios que no desvelan más huellas que las suyas propias y sus significados se han abierto sin meditación previa entre el mito y el rito.
Parafraseando a Heidegger, ha de postularse el hecho de que se piensa con la vida más que con la lógica, con el cuerpo antes que con la razón. La razón se convierte en el primer obstáculo para pensar.
En sus obras, la norteamericana HAMILTON se confiesa y revela que su pensamiento de raza ha descubierto la luz negra y con ello la transparencia de lo oscuro. Hay simultáneamente un sentimiento de frustración y otro de exaltación viva que enlaza con sus profundas creencias.
Una tormenta de pasiones ha detonado en las superficies y originado un clamor que se extiende sin coacciones, acompañando sus movimientos, gestos y declaraciones de una convicción que se traslada a la materia que constituye su sueño.
Madre generosa
de todos los muertos,
madre tierra madre,
vagina del frío,
brazos de intemperie,
regazo del viento,
nido de la noche,madre de la muerte, recógelo, abrígalo,
Francastel hablaba de la cualidad espacial autónoma de los colores en estado puro. El esloveno NOVAK, en su caso, los hace destellar para hacer que la luz se expanda y se diversifique.
Utiliza rodillo, pincel, brocha, como apéndices de una significación extrovertida, que amplía un cosmos que se revela con la fastuosidad resplandeciente propia de un vocabulario encendido.
No vean las concomitancias sino los detonantes y las connotaciones de una libertad ingente que se introduce como una sensación que crece dentro de un cuerpo lánguido y falto de vitalidad.
Fiorentini, narrador, poeta, viajero, artista y galerista (Captaloona art en Madrid), construye su obra plástica a la medida de un espacio que no puede dejar de transformarse de acuerdo con la evolución de nuestra acción sobre el mundo exterior.
Pero él hace de la materia su geodesia particular a base de intensificación de las texturas, de las venas, de las arrugas, hasta formar unas superficies que originan visiones telúricas y cromáticas que son como descubrimientos insondables.
Las metamorfosis, en su constante mutación, se agarran y se manifiestan en valores que forman el mapa de nuestra mutación planetaria, de una cartografía en perpetuo cambio, en la belleza de un sino que nos ha dejado al borde de su infinitud.
El artista tiene que arriesgar, llegar al límite, pero para que el riesgo merezca la pena, hay que asumirlo con todas las seguridades posibles, pues sin ellas la realización surge despojada y desvirtuada.
Riesgos de los que se ha apropiado el chino JIE para la materialización de sus fantasmas, hechos de cuerdas, gusanos, redes, venas, que se han conformado en una anatomía que supura un inconsciente maltrecho.
A la condición de estos personajes el artista ha llegado al verse a sí mismo confrontado con su sociedad, con su biografía, con su historia, con la sangre espesa que sigue corriendo sin que puedan detenerla a pesar de su configuración transmutada.
Decía Francastel que la representación topológica del espacio se halla en el fondo de nuestra experiencia más depurada de la geometría. Pero en lo que se refiere a la obra de la madrileña BOZAL hay una materia que se desborda más allá.
Sus paisajes, que podemos sentir como una soledad de arena, descienden desde la luna y su luz cósmica hasta los desiertos quemados y rocosos. A través de las texturas se ve una piel arrugada y milenaria, que al mirarla nos empequeñece con su longevidad.
Corresponde al estilo de un tiempo que se va desgranando a través suyo, que va sedimentándose en un propósito de sostener y perpetuar la visión de un numen que siempre se ha dado por perdido.
Para el artista hispanocubano ALARCÓN ECHENIQUE inspirarse en las obras de la literatura y del arte universales y sus autores, es la clara evidencia de su búsqueda permanente de una mitología que en su efusiva capacidad plástica y estilística vivifique la experiencia y las inquietudes de sus receptores.
Con su diestra maestría para la síntesis y sistemática figurativa hace que su última serie “Visiones de la Divina Comedia” de Dante, igual que en las anteriores suyas, consiga que cada pieza ofrezca la constitución de una realidad prodigiosa y animista cargada de simbolismos y atributos.
Tal es así que ambos universos,el suyo y el de Dante, están perfectamente conjugados y fusionados, en un espacio ilusionista donde los múltiples seres se representan y mueven libremente, en una multiplicidad de puntos de vista. A lo que se suma una nomenclatura de colores y tonalidades que visten con sus suaves y traslúcidas concertaciones esos territorios superpoblados en los que el tiempo es una fantasía que proclama un caleidoscopio ingente.
Si la única decisión posible es una decisión imposible, el autor la ha llevado a cabo porque es un espíritu apasionado y determinado por un anhelo de lo absoluto, como el de fundir arte, cultura, sociedad e historia, casi en una prueba de infinitud. Incluso la fuente de su arte podría encontrarse en lo que Scheiermache ha denominado “la cognición paradigmática”, una especie de intuición intelectual que nunca le abandona.
Con tal motivo, les invito a contemplarla en la galería CAPTALOONA ART de Madrid (C/Andrés Mellado, 55) desde el 22 de mayo hasta el 15 de junio. Incluyendo, además, con motivo de la misma, la presentación de una carpeta de Dante (Infierno, Purgatorio y Paraíso), editada por Libros Arte, el editor Enrique Flores, e impresa por el taller Mono de la Tinta, conteniendo textos de del poeta y galerista Claudio Fiorentini.
Dice el sabio Francastel que, por un lado, existe una concepción de la unidad irreductible del espacio infinito, pero que, por otro, lo que hay es una concepción de la reducción y de la duplicación posible del universo.
Sin embargo, el valenciano BERENGUER tomó la ciudad desde lo alto para concebirla plásticamente como un cuerpo que encierra miles de vidas bajos sus techos y cielos, entre sus paredes, calles y ventanas.
Con su visión expresiva y su gama cromática tan precisa y depurada, con una composición y organización de los espacios tan concentradas, tan desplegadas en su perspectiva física y descarnada, estas construcciones urbanas son las auténticas dueñas de un sueño tan revelador como real.
