Un breve paseo por obras y artistas que infunden otra forma de mirar. Es una aproximación cuyo deseo es provocar otras emociones más íntimas y cercanas si cabe. Es una forma de mirar, otro modo de ver, un ardid para engañar, un truco para esperar, otra historia para seguir, un cuento de no acabar. Y de seguir sin perder de vista lo de más atrás.
En la obra multidisciplinar de la nigeriana ALATISE la metáfora, el símbolo y la metamorfosis nos guían de la mano y con su presencia ante designios que llevamos mucho tiempo preguntándonos.
Su producción, al margen de su pathos endiablado, es sumamente elocuente y visual, engancha sensorial y conceptualmente, hasta hacer partícipes de todo un relato y una conjuración de fantasmas muertos que permanecen vivos.
Y lo que hace todavía más efectivo ese prodigio es una puesta en escena que sistematiza la revelación de una realidadque ha dejado de ocultarse para concebir la esperanza, quizás ya perdida, de todo un continente.
La promesa de emancipación del arte consiste en la supresión del arte como realidad aparte, en su transformación en una forma de vida (Rancière). Eso es lo que el entendió y asimiló el alemán BUTHE.
Y eso es lo que llevó a cabo en su obra diversa, reencontrándose a sí mismo en cada espacio, geografía y vivencias. Lo adoptaba casi toda de esas culturas propias y ajenas, lo transmutaba y así recuperaba la auténtica naturaleza de su destino.
Además, en todo su trabajo la pulsión cromática es su identidad sensorial y rotunda, la que ofrece la verdadera conjugación de un credo plástico que es en sí mismo la historia de una búsqueda.
Se ha señalado que las proposiciones artísticas (obras de arte) son de carácter lingüístico, no fáctico. Expresan definiciones de arte o las consecuencias formales de las mismas.
En lo que se refiere a la obra del irlandés GOUK, con lo lingüístico está lo físico, lo táctil, lo somático, por cuanto la gama cromática de sus obras se erigen en zurcidos, cosidos, remiendos, que se plantean ser solamente un destino plástico.
Cada brochazo o trazo, grueso, empastado, saturado, cuenta en sus movimientos, en sus mezclas y capas, una historia del autor, un estado de ánimo, un pensamiento inquieto, un delirio que únicamente se expresa así, contra viento y marea.
Si el arte siempre está muerto y el arte vivo es un engaño, como dijo alguien, el franco-senegalés le da la vuelta al practicar el arte siempre vivo y dejar que el muerto siga muerto aunque engañe.
Procede de un continente que recoge todo lo que está tirado y con ello, quebrado y roto, fragmentado y cortado, desmenuzado y pegado, crea su propio imaginario, aquel que es propio de una tierra y una humanidad destrozada.
Son ideas, intuiciones, sensibilidades, que saben sentirse plásticas y visuales, simbólicas y verdaderas, individuales y colectivas, luces y sombras, tiempos y lugares.
Reinhardt, según cita de Kosuth, decía que lo único que se puede decir sobre arte es que es desalentación, inmortalidad, inquietud, informalidad, inespacialidad e intemporalidad. Esos han sido siempre los fines del arte.
Por el contrario, la obra abstracta de la franco-húngara ETEDI es aliento y vida, intuición para sentir un espacio que de mental se hace físico a través de una conjugación abierta, aérea y poética de los colores -revestidos de delicadeza- y las tonalidades.
Su sentido lúdico roza lo místico hasta dilatarlo en una esfera que sumerge en su interior al que la contempla, y explora y percibe su significado, al que acierta a ver un sentido singular que comparte y evoca.
Me chivan los conceptuales que la idea de arte (la obra) y el arte son una misma cosa y pueden ser estimados como arte sin necesidad de salir del contexto artístico para verificarlo.Qué monocordes y aburridos.
El portugués SOBRAL no necesitó de tales argumentaciones a la hora de emprender su aventura artística, pues sabía definir y materializar su intuición plásticacon el vigor de un imaginarioencontrado en un mundo al que nos hizo llegar con una visión señera.
Las calidades y propiedades pictóricas de su obra son una depuración de un pasado que dejamos de ver tal como sería en un presente ante el que todavía seguimos ciegos, pero que por medio suyo y con su lucidez y maestría nos ha conducido hasta alcanzar estas estas visiones.
Hay colores puros y colores que se mezclan y se funden los unos con los otros, se enfrentan y combaten hasta cuerpo a cuerpo, se desparraman, se mueven, pues su creador no les da licencia para abandonarlo aunque le suponga una etiqueta de expresionismo de segunda generación.
Tampoco permiten que la superficie les imponga una dirección determinada, se salen más allá de la misma si es necesario, porque el trazo, el brochazo, la violencia, la exaltación y la neurosis es su signo, y no se cansan de repetirlo de todas las maneras posibles.
Además el americano GOLDBERG imprime una fuerza insólita a lo manchado, sabe conjugarlo y ahondar en su ánimo, descubrir en ello lo que es inasimilable y al mismo tiempo incita a traspasarnos su emoción y la liberación de un destino que nos tiene acosados.
Nunca podríamos pensar ni suponer que lo textil entrañase una revelación plástica como la obra del catalán GRAU-GARRIGA, ni que tuviese una dimensión visual que generase tal pathos.
Y además sus fragmentaciones cromáticas constituyen lo táctil, lo óptico y sensitivo que abiertamente se muestra como una abstracción que desde el pasado y lo remoto renueva la cosmovisión con el vigor de su fértil elaboración.
Hay una multitud de recubrimientos que significan, que se ensamblan, que rescatan a la mirada del sopor, que comunican la fuerza de una creación con la controversia de su humildad y al mismo tiempo su suntuosidad.
Donald Kuspit llegó a la conclusión de que el paradigma de buen pintor es aquel que va más allá de su propia ironía, así como de la alienación de las vanguardias y de las neovanguardias.
Al toledano SÁNCHEZ BEATO le queda meridianamente claro que su pensamiento pictórico es el disfrute de un quehacer que antepone por encima de todo una configuración plástica que sorprenda incluso a la misma imaginación.
Su concepción cromática, tierna y dura, delicada y fría, abarca una múltiple inspiración de fuentes, a las que maneja con elegancia, convicción y profundidad, hasta constituir la cualidad sobresaliente de unas asociaciones figurativas que se asoman fragmentadamente en un espacio que, dada su tersura, las lleva en aleteos circunvalando unos límites casi imposibles.
Lo han dicho y yo lo repito: lo importante en la pintura no es la esencia, sino su problemática, es decir, los problemas históricos vinculados a ella. ¿Este reduccionismo es coherente o incitante?
El norteamericano AMENOFF concibe, en el planteamiento de sus obras, cuales han de ser las líneas, los volúmenes, los colores, lo biológico y lo telúrico, adelantándose hacia otros confines de la abstracción cuyo significado esté en nuestra mente como en el espacio en el que nos asentamos.
El grosor de sus manchas, meandros y extraños paisajes alimenta una necesidad de percibir la tierra y sus contornos, lo orgánico y su vigor plástico, lo esencial que no deja de serlo aunque venga inflamado desde el fondo de su raíz.
Vivencias Plásticas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.